Mona Hatoum es una artista multidisciplinar nacida en Beirut en 1952 y reconocida en el panorama contemporáneo internacional.
En su trabajo ha realizado esculturas, instalaciones, video instalaciones, acciones, etc. Actualmente vive y trabaja en Londres. Más información

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Exposición Barcelona, Fundació Joan Miró

Mona Hatoum

Projecció

22/06 - 24/09/2012

MARTIN PARR

Martin Parr (1952 Epsom, Surrey, Reino Unido) es un fotógrafo británico miembro de la Agencia Magnum desde 1994. Reconocido internacionalmente por su particular acercamiento a la fotografía de documentación social. Su obra se caracteriza por el sentido del humor y la ironía de su mirada sobre el estilo de vida de la gente corriente en Gran Bretaña Más información

http://www.martinparr.com/index1.html

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CCCB EXPOSICIÓN

Del 29 maig 2012 al 21 octubre 2012.

Cuando el oficio se funde con el arte.

El pais, cuando el oficio se funde con el arte

Las entrañas de una fábrica de esculturas: Ver aquí. (Vista panorámica de una de las naves de la Fundición Capa. El techo es de 15 metros de altura, ya que algunas esculturas son tan grandes que no sería posible hacerlas de una sola pieza sin soldaduras)

El Pais, cultural.

Luis Claramunt

 

Luis Claramunt. El viaje vertical

13 jul. 2012 - 21 oct. 2012 MACBA

 

Para mí no existe diferencia entre la pintura figurativa y la abstracta, porque la pintura en sí ya es la imagen de una realidad. Un brochazo puede ser cualquier cosa: un insecto, una letra, una persona. Cuando haces una pintura abstracta también partes de una realidad, entonces funciona la imaginación y la memoria, que es una realidad tan tangible como cualquier otra.Luis Claramunt, El País (5 de mayo de 2000) Más información...

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Luis Claramunt nació el 19 de Agosto de 1951 en el seno de una familia de clase media y un fuerte amor por la cultura. La madre, Petri Palou era pianista y musicóloga. El padre, Luis Claramunt, decorador. Luis recibió una educación liberal y laica, algo bastante insólito en la época, e inició los estudios de Filosofía y Letras que abandonó en el segundo curso, cuando decidió dedicarse profesionalmente a la pintura.

Coincidiendo con esta decisión, Luis Claramunt dejó la casa paterna y se instaló a vivir en los alrededores de la Plaza Real, iniciando un proceso de desclasamiento que le conducirá a adoptar un tipo de vida radicalmente bohemio, en contacto estrecho con familias gitanas, de las que adoptará muchas costumbres. Es entonces cuando compone la estampa inconfundible- que pronto se haría familiar en los ambientes artísticos barceloneses y poco después en los de todo el país.Más información...

Gordon Matta-Clark

Gordon Matta Clark (Nueva York, 1943 - 1978). Fue un artista estadounidense, de ascendencia chilena, que exploró diferentes modos de intervención arquitectónica. Se le reconoce principalmente por sus “building cuts" o “cortes de edificios". Mas información. Wikipedia

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MACBA

07 jun. 2012 - 21 oct. 2012 MACBA

VIMEO.COM

Rita McBride



Formada en Estados Unidos, pero residente en Alemania, Rita McBride es profesora en la prestigiosa Kunstakedemie de Düsseldorf. Su escultura aborda la producción del espacio público y la recepción de la cultura mediante obras que recrean elementos procedentes de nuestro entorno más cercano. En ocasiones, pone en escena objetos relacionados con el diseño y la arquitectura, tradados a menudo con materiales insólitos y dimensiones inesperadas.

ABC

Revista de arte

Página Web de Rita McBride

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La hora de las huellas, Giacometti

Más información



GEGO

Gego (Gertrud Goldschmidt) fue una escultora venezolana, nacida en Hamburgo, Alemania en el año 1912.
Goldschmidt se graduó de Ingeniero, mención Arquitecto, en la Escuela Técnica de Stuttgart. En 1939, emigró a Venezuela, estableciendo su residencia en Caracas. En 1952 adquirió la nacionalidad venezolana y conoció a Gerd Leufert, diseñador gráfico y artista plástico, quien le motivó a iniciarse en las artes plásticas. En esa época Gego realizó sus primeras obras entre dibujos, acuarelas, monotipos y xilografías de carácter paisajista, figurativo y expresionista.
En 1957, comenzó a producir obras de carácter abstracto y simultáneamente, realizó experimentos en formas tridimensionales con papel, esperando convertir planos en volúmenes. En el año de 1954 participó en el XV Salón Oficial Anual de Arte Venezolano, siendo su primera exposición.
A partir del año de 1958 comenzó su labor docente en la Facultad de Arquitectura y Urbanismo en la Universidad Central de Venezuela. Gego ejercció diferentes cargos docentes en importantes instituciones educativas de Venezuela, tales como la Escuela de Artes Plásticas Cristóbal Rojas (1958 - 1959), Facultad de Arquitectura de la Universidad Central de Venezuela (1960 - 1967), y la Fundación Neumann – Ince (1964 – 1977).
En el año de 1959 viajó a los [[Estados Unidos]. En ese tiempo realizó esculturas en hierro, en las que plasmó la proyección de planos y líneas paralelas en superficies curvas. En 1960 su obra "Sphere", 1959 pasó a formar parte del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA).
Regresó a Venezuela en 1960, y al año siguiente fue organizada su primera gran muestra individual en el Museo de Bellas Artes de Caracas titulada "Dibujos recientes". En el año de 1962 realizó "Escultura para la sede del Banco Industrial de Venezuela", su primera gran obra de integración a la arquitectura, recibiendo su primer reconocimiento: el Primer Premio en la categoría de dibujo en la IV Exposición Nacional de Dibujo y Grabado. A partir de año 1964 comenzó a experimentar con el alambre de acero inoxidable en sustitución del hierro, lo que le permitiría plantearse obras ligeras y de generación más espontánea, enlaces flexibles y, también, a liberarse del empleo de herreros para la elaboración artesanal de su obras. En el año de 1966 viajó a Los Ángeles, Estados Unidos, invitada por el Tamarind Lithography Workshop y permaneció allí durante un año con una beca de Artist Fellow. En este lugar realizó lo que ha sido considerado como sus series más importantes de estampas.
Entre 1967 y 1969 realizó obras de integración a la arquitectura en compañía de Gerd Leufert, tales como la Torre y Mural del Centro Comercial Cedíaz (1967) y los Murales del la sede del Instituto de Cooperación Educativa (INCE) (1968 – 1969)
A partir del año 1969 se liberó del esquema de líneas paralelas y comenzó a diseñar dibujos con líneas entrecruzadas formando redes planas y moduladas. Los campos entre las líneas son de base triangular. De este sistema nació la obra Reticulárea, ambientación de mallas y redes, que fue instalada por primera vez en el Museo de Bellas Artes de Caracas. A finales de ese mismo año, Gego viajó a Nueva York donde instaló la Reticulárea en la Galería de Arte del Center for Inter American Relations.
En 1970 apareció la serie de obras llamadas chorros, con un sistema estructural vertical, suspendiendo desde lo alto acumulaciones de varillas de aluminio. En 1971 elaboró una serie de obras utilizando mallas y redes nuevamente, esta vez sustituyendo la base triangular por una cuadrada. Al año siguiente instaló la estructura ambiental Cuerdas para el Central Park.
En el año de 1974 comienzó a elaborar sus troncos, estructuras cilíndricas de mallas triangulares y base circular. En 1975 viajó a Laussane, Suiza, donde participó en la 7a Biennale Internationale de la Tapisserie con la pieza Reticulárea 75. En 1976 comenzó a producir las esferas para las que utiliza el mismo sistema de los troncos. A partir del año de 1976 inició su más extensa serie de obras tridimensionales, los dibujos sin papel, trazados en el aire con alambres y otros elementos, con los cuales se liberó de cualquier elemento constructivo preconcebido.
En 1977 se organizó en el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas una importante exposición antológica de la obra de Gego, la cual generó el primer libro sobre la artista. En 1979 obtiene el Premio Nacional de Artes Plásticas de Venezuela.
En el año 1980 Gego se convirtió en miembro fundador del recién creado Taller de Artes Gráficas Asociadas (TAGA). En 1982 viajó a Fráncfort, Alemania, para participar en la muestra Spielarum – Raumspiele en la Alte Oper donde elabora e instala la ambientación "Reticulárea 82". En 1988 comenzó a desarrollar la serie Tejeduras, composiciones de tiras de papeles ilustradas que son entrelazadas sobre una superficie plana y, casi simultáneamente, la serie Bichitos, piezas tridimensionales de pequeño formato realizadas con materiales residuales. Gego murió en la ciudad de Caracas, Venezuela, en 1994. (Wikipedia)


IMAGENES: GEGO

Nacho Criado

Nacho Criado, 1943, Mengibar (Jaén) Estudios de arquitectura en Madrid y sociología en Barcelona.

En sus inicios mediado de los anos 60 se preocupa por el reduccionismo formal, el comportamiento del material así como aspectos procesales y espaciales en su obra que mas tarde lo aproximaran a tendencias conceptúales, minimalistas o povera siempre desde una concepción muy personal.
Desde 1970 las constantes de su trabajo se dirigen hacia una ampliación y liberación de lenguaje que le permita adecuar de manera abierta y precisa la idea y su materialización dando con ello prioridad a aspectos tales como la experiencia del tiempo, la identidad y la condición híbrida de la práctica artística.
(http://nachocriado.com/biografia.htm).

Zona Retiro

El País, Nacho Criado en el Reina Sofia

Reina Sofia



Nacho Criado Obra

Revista de arte

Hoy es arte

ABC

BALTASAR LOBO

Baltasar Lobo (Cerecinos de Campos, Zamora, 22 de febrero de 1910 – París, 4 de septiembre de 1993) fue un dibujante y escultor español^[1] muy conocido por sus composiciones que representan madres e hijos.
Nacido en Cerecinos de Campos, Zamora, España, se trasladó a París, Francia en 1939 donde su escultura tuvo influencias de Constantin Brancusi y Jean Arp. La obra de Baltasar Lobo fue expuesta en la Galerie Vendôme en la Rue de la Paix junto con la de notables artistas como Henri Matisse, Fernand Léger, Maurice Utrillo y Pablo Picasso....WIKIPEDIA

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MUSEO BALTASAR LOBO ZAMORA

HANS HAACKE

WIKIPEDIA

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Hans Haacke (Colonia, 1936) ha sido considerado uno de los principales exponentes de la crítica institucional , un giro del arte conceptual interesado en el análisis de la producción artística como contenedor de los intereses ocultos ras las instituciones culturales. Sin embargo, su obra trasciende este horizonte para situarse en el vasto y complejo territorio que articula nuevas relaciones arte-vida y arte-sociedad, un modelo que crece paralelo a la desaparición de la visión romántica del autor con un ser aislado e inspirado. Ante esa "muerte del autor", Haacke se dirige hacia disciplinas antes externas al arte, como la sociología o la economía y usa sus herramientas: archivos, prensa, escuestas, actas de consejos de administración o registros de la propiedad, instrumentos de acceso público al alcance de cualquier ciudadano de un país democrático, aunque raramente consultados para fines no privados. De ese modo, más que denunciar, su obra exhuma e indica, se alza contra el tópico del arte como una actividad alejada de la sociedad y hunde sus raíces en el flujo vital que ractiva las artes a partir de la década de los sesenta.

Gervasio Sánchez

Heraldo

Gervasio Sánchez (Córdoba, agosto de 1959) es un periodista, fotógrafo. Actualmente reside en Zaragoza. Ha cubierto como reportero gráfico la mayor parte de los conflictos armados de América Latina y la Guerra del Golfo desde 1984 hasta 1992, a partir del cual pasó a cubrir la Guerra de Bosnia y el resto de conflictos derivados de la desfragmentación de la antigua Yugoslavia. También ha cubierto diferentes conflictos en África y Asia.... wikipedia

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Chagall

Marc Chagall desarrolló un estilo pictórico expresivo y colorista muy vinculado a sus experiencias vitales y a las tradiciones religiosas y populares de la comunidad judía rusa. En él combinó ciertos elementos de la vanguardia cubista, del fauvismo y del orfismo de Robert Delaunay para crear un estilo personal e inclasificable. Hijo mayor de nueve hermanos, se formó artísticamente en la ciudad de San Petersburgo junto a Léon Bakst. En el verano de 1910 se trasladó a París, donde quedó profundamente impresionado por las galerías y Salones de la capital francesa. En los años siguientes expuso en el Salon d’Automne y en el Salon des Indépendants. A través de Guillaume Apollinaire conoció al marchante berlinés Herwarth Walden, que seleccionó tres obras de Chagall para el primer Herbstsalon de 1913 en Berlín y en cuya galería, Der Sturm, presentó su primera exposición individual en 1914
Desde. Berlín viajó a Vitebsk, su ciudad natal, donde le sorprendió la guerra. En 1915 contrajo matrimonio con Bella Rosenfeld y, tras la Revolución rusa, ejerció durante dos años como director de la Escuela de Arte de Vitebsk. Debido a sus diferencias con Kazimir Malévich, tuvo que abandonar la academia y pasó a ser director del Teatro Estatal Judío de Moscú en 1919.
En 1922 Chagall abandonó Rusia para siempre y, tras pasar una corta temporada en Berlín, en 1923 se instaló en Francia. Allí vivió el resto de su vida a excepción de un periodo, entre 1941 a 1948, que residió en Estados Unidos para evitar ser deportado y durante el que, en 1946, el Museum of Modern Art de Nueva York celebró una exposición retrospectiva de su obra que consolidó su reputación internacional.
En el transcurso de su larga trayectoria trabajó también en el campo de la ilustración y experimentó con todo tipo de soportes como la cerámica, el relieve y los mosaicos. Asimismo, diseñó la puesta en escena de diversas piezas de teatro y ópera y durante los últimos treinta años de su vida se dedicó intensamente al diseño de vidrieras; realizó, entre otras, las de la catedral de Metz y las de la sinagoga del Hebrew University Hadassah Medical Centre de Jerusalén.

Museo Thyssen

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Giacometti

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Wikipedia Guiacometti

Escultor y pintor suizo. Nació en un ambiente artístico, ya que su padre, Giovanni, era un pintor impresionista. Se inició en el dibujo y la plástica en la Escuela de Artes y Oficios de Ginebra, antes de trasladarse a París para seguir los cursos de escultura de E. A. Bourdelle en la Academia de Grand Chaumière. Alberto Giacometti

En la capital francesa entró en contacto con el ambiente cubista, y más tarde con el grupo surrealista, del que formó parte de 1930 a 1935. En las obras de este período, muy personales, se reconoce la idea surrealista del simbolismo de los objetos.

El abandono del surrealismo y la vuelta al arte figurativo constituyen el preludio de la llegada de Giacometti a su estilo más singular y característico, el que desarrolló a partir de comienzos de la década de 1940. Aparecen entonces sus figuras humanas alargadas y de apariencia nerviosa, muy delgadas y de superficie áspera, a menudo de tamaño natural, que pueden estar representadas solas o en grupo.

Son estas obras las que han hecho de Giacometti uno de los artistas más originales del siglo XX, también en pintura, donde sus obras se caracterizan por figuras rígidas y frontales, simbólicamente aisladas en el espacio. En estas creaciones que representan la soledad y el aislamiento del hombre se ha querido ver un trasunto de la filosofía existencialista, y de hecho Jean-Paul Sartre, el máximo representante de la tendencia, reconoció en la obra de Giacometti algunas de sus ideas y escribió sobre ella. La familia y los amigos del artista fueron sus modelos preferidos, en particular su hermano Diego, al que reprodujo en numerosas esculturas, pinturas y dibujos.

Gabriel Orozco

IMAGES GABRIEL OROZCO

Gabriel Orozco (n. 1962) es un artista mexicano nacido en Xalapa, Veracruz y educado en la Escuela Nacional de Artes Plásticas(ENAP) de 1981 a 1984. Hijo del celebre muralista Mario Orozco Rivera quien también fue discipulo de David Alfaro Siqueiros. Continuó su educación en el Círculo de Bellas Artes de Madrid desde año1986 al 1987. Explorando el uso de video, dibujo, y la instalación así como fotografía y escultura, Orozco da libertad a la audiencia para explorar las asociaciones creativas entre objetos ignorados tradicionalmente en el mundo de hoy. Su trabajo extrañamente permite una interacción entre la pieza y la audiencia. Por ejemplo, los visitantes al Museo de arte contemporáneo en Los Ángeles, California pueden jugar con la pieza Ping Pond Table (1998) que es una mesa de tenis para cuatro personas. El centro de la pieza es una charco orquídea con cuatro piezas hemisféricas de mesas ping pong alrededor en forma de cruz.

Susana Solano

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Nació en Barcelona en 1946 y estudió en la Facultad de Bellas Artes de Barcelona, donde impartió clases.

Ha participado en certámenes internacionales como Documenta de Kassel VIII y IX (1987 y 1992), XIX Bienal de Sao Paolo (1987), Skulptur Projekte en Münster (1987), Bienal de Venecia (1988 y 1993) y Carnegie Internacional de Pittsburg (1988).

Fue galardonada con el Special Prize, otorgado por The Utsukushi-Ga-Hara Open Air Museum, en Tokio (1985), con el Premio Nacional de las Artes Plásticas del Ministerio de Cultura de España (1988), en 1996 recibió el Premio CEOE a las Artes, y en el 2011 el Premio Tomás Francisco Prieto de la Real Casa de la Moneda.

Por otra parte, ha colaborado en diferentes ocasiones con arquitectos para proyectos de exterior: José Acebillo, Ignacio Linazasoro, Hans Hollein, Ignasi Sánchez Doménech, Rafael Moneo, Francisco Torres, Javier Romero y Guillermo Vázquez Consuegra.

MARINA ABRAMOVIC

Marina Abramović (Belgrado, Yugoslavia; 30 de noviembre de 1946), artista serbia de performance que empezó su carrera a comienzos de los años 70. Activa por más de tres decádas, recientemente ha sido descrita por sí misma como la "Abuela del arte de la performance".
El trabajo de Abramović explora la relación entre el artista y la audiencia, los límites del cuerpo, y las posibilidades de la mente.

Primeros años

El abuelo de Marina Abramović fue un patriarca de la Iglesia Ortodoxa Serbia. Tras su muerte, fue proclamado santo, embalsamado, y colocado en la Iglesia de San Sava en Belgrado. Ambos padres fueron partisanos en la Segunda Guerra Mundial: su padre Vojo fue un comandante aclamado como héroe nacional después de la guerra; su madre Danica fue comandante en la armada, y a mediados de los sesenta fue Directora del Museo de la Revolución y Arte en Belgrado.
El padre de Abramović abandonó a la familia en 1964.
Abramović estudió en la Academia de Bellas Artes de Belgrado entre 1965 y 1970. Completó sus estudios de posgrado en la Academia de Bellas Artes de Zagreb, Croacia en 1972. Entre 1973 y 1975 enseñó en la Academia de Bellas Artes de Novi Sad, mientras preparaba su primera performance en solitario.
En 1976 Abramović dejó Yugoslavia y se fue a Ámsterdam.

Selección de primeros trabajos

Ritmo 10, 1973

En su primera performance exploró elementos de rituales y gestos. Usando veinte cuchillos y dos grabadoras, la artista ejecutó el juego ruso de dar golpes rítmicos de cuchillo entre los dedos abiertos de su mano. Cada vez que se cortaba, tomaba un nuevo cuchillo y grababa la operación.
Después de cortarse veinte veces, reproducía la cinta, escuchaba los sonidos y trataba de repetir los mismos movimientos y errores, uniendo de esta forma el pasado y el presente. Con este trabajo, Abramović comenzó a considerar el estado de conciencia del artista.

 Ritmo 5, 1974

En esta performance, Abramović intentó reevocar la energía del dolor corporal extremo, en este caso usando un gran estrella mojada en petróleo, la cual es encendida al comienzo de la actuación. Parada fuera de la estrella, Abramović corta sus uñas, las de los pies y su cabello. Cuando termina con todo, lanza los recortes a las llamas haciendo cada vez un estallido de luces.
En el acto final de purificación, Abramović saltó al centro de las llamas, cayendo en el centro de la estrella. Debido a la luz y el humo del fuego, el público no notó esto, y la artista perdió el conocimiento por la falta de aire. Algunas personas de la audiencia se dieron cuenta de lo ocurrido sólo cuando el fuego se acercó demasiado al cuerpo que permanecía inerte. Un doctor y varios miembros de la audiencia intervinieron y la sacaron.

 Ritmo 2, 1974

Como una experimento para probar si un estado de inconsciencia puede ser incorporado en una performance, Abramović desarrolló una en dos partes.
En la primera parte, ella tomó una píldora que se utiliza para la catatonia. Estando completamente sano, el cuerpo de Abramović reaccionó violentamente a la droga, experimentando ataques y movimientos involuntarios. Mientras perdía el control de los movimientos de su cuerpo, su mente estaba lúcida y observaba todo lo que ocurría.
Diez minutos después que los efectos de la droga pasaran, Abramović tomó otra píldora (utilizada por personas depresivas y violentas) la cual da como resultado una inmovilización general. Físicamente ella se encontraba presente, pero mentalmente no. Este proyecto fue uno de los primeros componentes de sus exploraciones de la conexión entre cuerpo y mente, exploraciones que más tarde la llevaron al Tíbet y al desierto de Australia.

 Ritmo 0, 1974

Para probar los límites de la relación entre el artista y el público, Abramović desarrolló una de sus performances mas exigentes (y la más conocida). En ella adoptaba un rol pasivo, mientras el público la forzaba a realizar la actuación.
Colocó sobre una mesa 72 objetos que la gente le permitiera usar en la forma que ellos eligieran. Algunos de estos objetos podían dar placer, mientras otros podían infligir dolor o incluso dañarla. Entre ellos había tijeras, un cuchillo, un látigo, una pistola y una bala. Durante seis horas la artista permitió a los miembros de la audiencia manipular su cuerpo y sus acciones.
Inicialmente, la audiencia reaccionó con precaución y pudor, pero a medida que pasaba el tiempo (y la artista permanecía impasible) mucha gente empezó a actuar muy agresivamente.

 Trabajos con Ulay (Uwe Laysiepen)

Después de mudarse a Ámsterdam, Abramović conoció al artista de performance germano-occidental Uwe Laysiepen quien usaba el nombre de Ulay. Como dato anecdótico, ambos nacieron el mismo día.
Cuando Abramović y Ulay comenzaron su colaboración, los conceptos principales que exploraron fueron el ego y la identidad artística. Este fue el comienzo de una década de trabajo colaborativo. Ambos artistas estaban interesados en las tradiciones de sus patrimonios culturales y el deseo del individuo por los ritos. En consecuencia, decidieron formar un colectivo al que llamaron The Other (El Otro). Se vistieron y se comportaron como gemelos, y crearon una relación de completa confianza.
Idearon una serie de trabajos en que sus cuerpos creaban espacios adicionales para la interacción con la audiencia. En Relation in Space (Relación en el espacio) corrían alrededor de la sala, dos cuerpos como dos planetas, mezclando las energías masculinas y femeninas en un tercer componente al que llamaron "that self" (eso mismo). Relation in Movement (Relación en Movimiento, 1976) tenía a la pareja conduciendo su automóvil dentro de un museo dando 365 vueltas, un líquido negro salía del automóvil formando una especie de escultura, y cada vuelta representaba un año.
Después de esto, idearon Death self (La muerte misma), en la cual ambos unían sus labios e inspiraban el aire expelido por el otro hasta agotar todo el oxígeno disponible. Exactamente 17 minutos después del inicio de la performance ambos cayeron al piso inconscientes, ya que sus pulmones se llenaron de dióxido de carbono. Esta pieza exploró la idea de la habilidad del individuo de absorber la vida de otra persona, cambiándola y destruyéndola.
En 1988, luego de varios años de tensa relación, Abramović y Ulay decidieron hacer un viaje espiritual el que daría fin a su relación. Ambos caminarían por la Gran Muralla China, comenzando cada uno por los extremos opuestos y encontrándose en el centro. Abramović concibió esta caminata en un sueño, y le proporcionó lo que para ella era un fin apropiado y romántico a una relación llena de misticismo, energía y atracción.

Teatro Real the-life-and-death-of-marina-abramovic

La Fabrica. Madrid

ABC el cultural. Marina Abramovic

20 minutos: marina-abramovic/performer/invade-madrid/

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NOTICIAS

Autorretrato infinito de Michelangelo Pistoletto

Michelangelo Pistoletto en Biella, nació en 1933.  Comenzó a exponer su obra en 1955 y en 1960 tuvo su primera exposición individual en la Galería Galatea de Turín.  Una investigación sobre el autorretrato que caracteriza su obra temprana.  En el período de dos años 1961-1962 realizó las pinturas primer espejo ", que incluye directamente al espectador y la obra en tiempo real, y abrir la perspectiva, la inversión de la perspectiva renacentista que había sido cerrado por los del siglo XX, las vanguardias.  Estos trabajos rápidamente trajo Pistoletto reconocimiento internacional, lo que, en los años sesenta, a los espectáculos unipersonales en museos y galerías importantes de Europa y Estados Unidos.  Las pinturas de espejo son el fundamento de su producción posterior artística y el pensamiento teórico.
En 1965 y 1966 se produjo una serie de obras tituladas objetos menos considera fundamental para el nacimiento del arte povera, un movimiento artístico de Pistoletto, que era una fuerza animadora y un protagonista.  En 1967 empezó a trabajar fuera de los espacios expositivos tradicionales, con los primeros casos de esa "colaboración creativa" H desarrolló durante las décadas siguientes, reuniendo a artistas de diferentes disciplinas y diferentes sectores de la sociedad.  En 1975-1976 se presentó un ciclo de doce exposiciones consecutivas, Le Stanze, el examen en la galería de Turín.  Esta fue la primera de una serie de complejos, un año de duración obras llamadas "continentes tiempo."  Otros son Año (1989) y la tortuga feliz (1992).
En 1978, en un espectáculo en Turín, Pistoletto define dos direcciones principales en el futuro su obra de arte que tomar: la división y la multiplicación del espejo y el arte toma a la religión.  En los años ochenta hizo una serie de esculturas de poliuretano rígido, se tradujo en mármol para su exposición individual en 1984 en el Fuerte Belvedere de Florencia.  De 1985 a 1989 se creó la serie de "oscuras" volúmenes llamado arte de la miseria.  Durante la década de los noventa, con el Proyecto de Arte y con la creación de Biella de Cittadellarte - Fundación Pistoletto y de la Universidad de las Ideas, que arte trajo en las relaciones activas con otros ámbitos de la sociedad, con el objetivo de inspirar el cambio social y Producción Responsable.  En 2003 ganó el León de Oro de la Bienal de Venecia para el logro permanente.  En 2004 la Universidad de Turín le concedió doctorado honoris causa en Ciencias Políticas.  En la ocasión el artista anunció que lo que se ha convertido en la fase más reciente de su obra, el Paraíso Tercera.  En 2007, en Jerusalén, recibió el Premio Fundación Wolf de las Artes, "por su trayectoria constante inventiva como artista, educador y activista incansable de inteligencia de quién ha creado formas proféticas de arte que contribuyen a la nueva comprensión del mundo."
Él fue nominado como director artístico del evento de 2011 en Burdeos.

Actualidad. Las balas artísticas de Pistoletto, El Pais

Las balas artisticas de Pistolletto, El Pais

Galeria Elvira Gonzalez

IMAGENES

Cabañas para pensar

ExitExpressCabanas.pdf

Beatriz G. Aranda: Hogar, intelectual hogar. Ed. Cultura. Tentaciones. El País

Juan Bosco: Encuentro con uno mismo. Ed. Babelia. El País

Fernando Valverde: Cabañas para el pensamiento. Ed. El País

Vila-Matas: Lugares para pensar. Ed. El País

El Cultural. Ed. El Mundo

La cabaña del creador. Ed. Fronterad

Ideal

Granadahoy

La Opinión de Granada

RADIO

Tres en la carretera. Cabañas para pensar. Radio 3. Rtve

VIDEOS

http://blogcentroguerrero.org/2011/10/entrevista-a-alberto-ruiz-de-samaniego/
http://www.centroguerrero.org/index.php/Resenas_en_prensa/989/0/?&L=undefined

http://www.taschen.com/lookinside/04945/index.htm

ENLACES DE INTERES

http://www.taschen.com/pages/es/catalogue/architecture/all/04945/facts.shigeru_ban_complete_works_1985_2010.htm
http://www.elmundo.es/elmundo/2010/12/27/solidaridad/1293442672.html
http://www.shigerubanarchitects.com/


POETICA DEL ESPACIO BACHELARD GASTON

ESTUDIOS DE ARTISTAS

DAMIEN HIRST

Unos lo comparan con Andy Warhol. Otros creen que es un caradura que ha sabido convertir en millones un arte que consideran pura basura. Es Damien Hirst. Nació en Bristol aún no hace 47 años y se crio en Leeds, en un ambiente difícil. Quizá por eso no le crea problemas de conciencia ser el artista más rico del mundo, aunque hay quien atribuye ese honor al pintor chino Zeng Fanzhi. Sea quien sea el número uno, Hirst domina a la perfección el arte de ganar dinero. Mucho dinero... más información.

Damien_Hirst_Pocimas_y_pildoras

ABC Damien Hirst

WHITNEY

2012 Whitney Biennial

THE WHINEY BENNIAL

http://whitney.org/

2012 Biennial Exhibitions



whitney-biennial-2012-in-pictures

whitney-biennial-web-occupation

Biennial guardian

Biennial 2012 art info

Whitney biennial artinfo



John-Berger

John-Berger El País

John Peter Berger (Londres, 1926) es un crítico de arte, pintor y escritor. Entre sus obras más conocidas están G., ganadora del prestigioso Booker Prize en 1972 y el ensayo de introducción a la crítica de arte, Modos de ver, el cual es un texto de referencia básica para la historia del arte.



Eija-liisa -Ahtila

Videos

Blogarte

Desde sus primeras proyecciones audiovisuales en los años noventa, Eija-Liisa Athila se ha convertido en una de las más importantes video-artistas del panorama actual.
Sus videos, a los que la artista finlandesa llama "dramas humanos", presentan personajes que se establecen en un entorno inestable dominado por sus emociones

Doug Aitken

Blogarte

videos
Doug Aitken nació en Redondo Beach, California en 1968. In 1987,  inicialmente estudió "magazine illustration" con Philip Hays  en el Art Center College of Design en  Pasadena antes de graduarse en  "Fine Arts" en 1991. El fue a New York en 1994 dónde tuvo su primera exposición en303 Gallery. Su vida y trabajo transcurre en Venice, California, y New York.

Bruce Nauman

Videos


Bruce Nauman (nacido el 6 de diciembre de 1941, en Fort Wayne, Indiana, EE. UU.) es un artista estadounidense. Su obra abarca una gran variedad de medios, como la escultura, fotografía, neón, video, dibujo y performance.

Nauman estudió matemáticas y física en la Universidad de Wisconsin-Madison y arte en la Universidad de California, Davis. En los años 1980 se trasladó a Nuevo México. Gran parte de su trabajo se caracteriza por un interés en el lenguaje y en la capacidad ambivalente de éste. En 1990 recibió el Premio Max Beckmann. En 2004 expuso su obra Raw Materials en Tate Modern, Londres.Ocupa el tercer puesto de los artistas más cotizados segun Artfacts.

Tony Oursler

cultura.elpais.com
cultura.elpais.com
Galería Soledad Lorenzo

(Nueva York, 1957) Artista y performer norteamericano. Comenzó sus estudios de arte en el Colegio de Arte de California, donde se licenció en 1979. Posteriormente amplió estudios en el Colegio de Arte de Boston.

En 1981 realizó su primera exposición individual en Nueva York. La muestra, titulada "Visiones de vídeo" y expuesta en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA), le valió la admiración de la crítica neoyorquina.

El reconocimiento internacional le vino en 1986 de la mano de una exposición individual en el Centro de Arte Contemporáneo Georges Pompidou de París, que llevó por título "Esferas de influencia". Durante los últimos años de la década de los ochenta y hasta 1992 realizó una serie de performances, algunas en colaboración con otros artistas como Mike Kelley o Constance de Jong, que fueron presentadas en Chicago, Los Ángeles o Nueva York.

Entre los principales certámenes internacionales en los que ha participado desde entonces cabe destacar el Festival Mundial de Vídeo de La Haya (1989), la Dokumenta IX de Kassel celebrada en el museo Fridecidiarium (1992), o la Bienal de Medios de Leipzig (1994).

Para su segunda participación en el prestigioso certamen Dokumenta X celebrada en la localidad alemana de Kassel (1997), Oursler presentó una de sus más ambiciosas obras: The Poetic Project: 1977-1997. The Poetics era un grupo de estudiantes que a finales de los setenta que tenían en común su curiosidad por la experimentación con las nuevas herramientas de expresión que tenían a su disposición: performance, música vanguardista, danza, comedia e imagen. El grupo de artistas se transformó en conjunto musical, con ese nombre, y se separó definitivamente en 1983. Oursler y su amigo Kelley decidieron reunir el material grabado y editarlo. La obra se presentó en un espacio arquitectónico caprichoso compuesto por obras de arte autónomas, siete de las cuales eran fruto de la colaboración entre Ourler y Kelley.

Otras performances y proyectos que ha realizado en solitario o en colaboración con su amigo Mike Kelley son Storys About Cars (1982, Colegio de Arte y Diseño de Minneapolis), X Catholic (1983, Beyond Baroque de Los Angeles), Relatives (1989, galería The Kitchen de Nueva York), Station Project (1992, Estación ferrovaria de Kortrijk), Fantastic Prayers (1995, Dia Center for the Arts de Nueva York), Performance: Oursler/de Jong (1996, Museo de Arte de Filadelfia) y Pink (1997, Bienal del Museo Whitney de Arte Americano de New York).

Un puente entre el mundo virtual y el físico.

Man Ray

Indestructible Object 1923

Man Ray

Man Ray, nacido Emmanuel Rudzitsky, ( Estados Unidos; 27 de agosto de 1890 - París; 18 de noviembre de 1976) fue un artista estadounidense impulsor de los movimientos dadá y surrealista en Estados Unidos.